Manu Grinspan

Der belgische Künstler Manu Grinspan hat mit seiner Verschmelzung von traditioneller Zeichnung und digitaler Technologie eine unverwechselbare Ästhetik geschaffen, die ihm internationale Anerkennung und zahlreiche Auszeichnungen eingebracht hat – darunter die Ernennung zu einem der Top 25 Color Photographers durch DODHO Magazine.
Als Artistic Ambassador für Nationalparks und Naturschutzgebiete prägte er die fotografische Inszenierung geschützter Landschaften. Mit dem 1STREET PROJECT erlangte er virale Aufmerksamkeit, indem er urbane Szenerien in atmosphärisch dichte Bildwelten verwandelte. Seine aktuelle Serie ArtiFacial hinterfragt die Grenzen zwischen analoger Kunst und künstlicher Intelligenz und erweitert die Möglichkeiten zeitgenössischer Bildgestaltung.

Top 25 Color Photographers (2022)

Gruppenausstellungen

2022    Affordable Art Fair, Belgium

2019    "La Délivrante", Belgium

2018    "In the Air", Belgium

Picasso sagte einmal: „Du machst keine Kunst, du findest sie.“ Wo findest du deine Kunst?
Ich finde meine Kunst in der einfachen Tatsache, dass mein Geist niemals stillsteht. Vom Moment des Aufwachens an beobachte ich – nicht nur oberflächlich, sondern mit echtem Blick für Details. Es ist nichts, das ich bewusst tue, es ist einfach meine Art zu sein. Mein Kopf verknüpft ständig Eindrücke – Licht, Schatten, Klänge, Emotionen – all die kleinen Dinge, die viele Menschen vielleicht gar nicht wahrnehmen.
Kunst ist nichts, wonach ich suche. Sie zeigt sich in flüchtigen Momenten: in der Art, wie ein Schatten auf eine Wand fällt, in einer kurzen Emotion auf einem Gesicht oder in der Stille zwischen zwei Worten. Das sind für mich nicht bloße Details – es sind Ausgangspunkte, die darauf warten, gesehen und in etwas Größeres verwandelt zu werden.

Von der Idee bis zur Verwirklichung: Wie gehst du an deine Arbeiten heran?
Mein Prozess besteht aus drei Phasen: Erkundung, Umsetzung und Nachbearbeitung. Alles beginnt mit einem Impuls – einem Bild, einem Gefühl oder der Art, wie das Licht auf eine Oberfläche trifft. In der Erkundungsphase fertige ich Skizzen an, um die Idee festzuhalten. Zeichnen hilft mir, meine Gedanken zu sortieren und zu verfeinern. Es geht dabei nicht nur um Umrisse, sondern um die Erforschung von Komposition, Struktur und Atmosphäre – ein organischer Prozess, bei dem sich die Idee auf dem Papier weiterentwickelt.
Dann folgt die Umsetzung, bei der ich das Konzept mit Fotografie, digitalen Werkzeugen oder KI weiter ausarbeite. In dieser Phase entstehen Schichten, Details werden hinzugefügt, Anpassungen vorgenommen – ich experimentiere, bis sich das Werk „richtig“ anfühlt.
Zum Schluss kommt die Nachbearbeitung, in der die Farbe ins Spiel kommt. Farbe ist für mich eine Sprache – ich justiere Töne und Kontraste, um die Stimmung zu formen und emotionale Tiefe hinzuzufügen. Jede Phase baut auf der vorherigen auf und verbindet Kontrolle mit kreativer Entdeckung.

Dein Lieblingsbuch?
„Der kleine Prinz“ von Antoine de Saint-Exupéry und „Mein Name ist Asher Lev“ von Chaim Potok. Der kleine Prinz verbirgt tiefgründige Wahrheiten hinter seiner scheinbaren Einfachheit, während Asher Lev die Herausforderungen eines Künstlers zeigt – den Kampf zwischen persönlichem Ausdruck und gesellschaftlichen Erwartungen. Beide Bücher handeln von Bedeutung, Perspektive und Selbstverwirklichung.

Mit welchem Künstler würdest du gerne Kaffee trinken und worüber würdet ihr sprechen?
Ich würde gerne mit Edward Hopper einen Kaffee trinken – aber nicht in einem gewöhnlichen Café. Ich würde einen Ort wählen, der sich anfühlt wie eines seiner Gemälde: schlicht, ruhig, mit großen Fenstern, durch die das Licht scharfe Linien und Schatten wirft. Ein Raum, in dem die Atmosphäre ebenso viel sagt wie die Menschen darin.
Ich würde ihn nicht nach Technik oder künstlerischem Prozess fragen. Mich würde viel mehr interessieren, wie er die Welt wahrgenommen hat – was ihm ins Auge fiel, wenn er durch eine Straße ging, welche Details er bemerkte, die andere vielleicht übersehen. Ich würde wissen wollen, wie er entschied, welche Momente es wert waren, festgehalten zu werden, und ob er das Gefühl hatte, die Realität zu dokumentieren oder etwas völlig Neues zu erschaffen.

Wie kamst du zur Kunst?
Ich war von klein auf von Kunst umgeben – angefangen mit klassischem Klavier. Ich galt als musikalisches Wunderkind, was meine Eltern entdeckten, als ich sechs Jahre alt war. Ich hatte andere beim Spielen beobachtet, mich dann selbst ans Klavier gesetzt und die Stücke einfach nach Gehör nachgespielt, ohne jemals Unterricht gehabt zu haben. Als ich auf die Musikschule kam, wurde ich bereits in der ersten Woche vom ersten ins fünfte Jahr versetzt und absolvierte das zehnjährige Programm in nur fünf Jahren – mit grande distinction.
Parallel dazu entdeckte ich meine Leidenschaft für hyperrealistisches Zeichnen, besonders für Porträts. Ich wurde regelrecht besessen davon, jedes Detail einzufangen – Gesichtsausdrücke, Texturen, das Spiel von Licht und Schatten auf der Haut. Mein Ziel war es, so realistisch zu zeichnen, dass man nicht mehr unterscheiden konnte, ob es sich um eine Zeichnung oder eine Fotografie handelte. Der Prozess fühlte sich für mich magisch an – mit etwas Einfachem zu beginnen und es Schicht für Schicht zum Leben zu erwecken.
Diese Liebe zum Detail und zur Lichtführung führte mich schließlich zur Fotografie. Hier konnte ich flüchtige Momente und Emotionen in einem einzigen Augenblick einfangen. Fotografie lehrte mich, die Welt anders zu sehen – nicht nur als Dokumentation der Realität, sondern als Möglichkeit, durch Licht, Komposition und Atmosphäre neue Bedeutungen zu erschaffen.

Welche Menschen in deiner Umgebung beeinflussen dich?
Zwei Lehrer hatten einen besonders starken Einfluss auf meine kreative Entwicklung. Mein Klavierlehrer war sehr streng – er lehrte mich Disziplin und Struktur. Mein Zeichenlehrer hingegen ermutigte mich, Regeln zu brechen und frei zu experimentieren. Dieses Gleichgewicht zwischen Kontrolle und kreativer Freiheit prägt meine Arbeit bis heute.
Auch meine Eltern hatten einen tiefen Einfluss auf mich. Sie brachten mir bei, durchzuhalten und mir selbst zu vertrauen – eine Lektion, die weit über die Kunst hinausgeht.

Stell dir vor, du hast eine Zeitmaschine. Wohin geht die Reise?
Ich würde an den Anfang der Schöpfung reisen – in die Zeit von Adam und Eva, den allerersten Moment. Es fasziniert mich, sich eine Welt vorzustellen, die noch völlig unberührt ist, roh und voller Potenzial. Der Moment, in dem die Menschheit begann, ihre Umwelt zu formen und ihr eine Bedeutung zu geben.
Ich würde die ersten Funken von Kreativität erleben wollen – die ersten Linien, die jemand in die Erde zeichnete, die ersten Formen, die in Stein geritzt wurden, die ersten Versuche, etwas auszudrücken. Wie fühlte es sich an, in einer Welt zu leben, in der es noch nichts gab – in der alles, was man schuf, eine Premiere war? Keine Regeln, keine Traditionen – nur pure Schöpfung.

Deine größte Leidenschaft abseits der Kunst?
Ich habe so viele Leidenschaften, dass es schwer ist, eine auszuwählen!
Ich liebe das Reisen, die Natur und das Erkunden neuer Kulturen – sie erweitern meinen Horizont und inspirieren mich kreativ. Gleichzeitig faszinieren mich Wissenschaft, Technologie und Innovation. Ich bin neugierig darauf, wie sie unsere Welt formen und beeinflussen – unsere Art zu leben, zu denken und miteinander zu kommunizieren.

Woran arbeitest du zurzeit?
Momentan erweitere ich einige meiner Serien und erforsche neue Möglichkeiten, meine Arbeit weiterzuentwickeln. Ich experimentiere mit der Verbindung zwischen traditionellen und digitalen Elementen und entdecke dabei völlig neue Ausdrucksmöglichkeiten.
Es ist eine aufregende Phase des Experimentierens – und während ich die Details noch nicht verraten werde, kann ich sagen: Es kommt bald, und es wird sich lohnen zu warten.